Inesperadas, contrastes formales y tensiones conceptuales
Confluencias
17 enero 2026
Confluencias reúne en un mismo espacio las prácticas de José Manuel González, Rafael Jiménez, Roberto Infantes y Joaquín Peña-Toro, cuatro artistas cuyas trayectorias y lenguajes diversos encuentran aquí un territorio común de diálogo y fricción. Lejos de plantear una unidad estilística o temática cerrada, la exposición propone un espacio compartido donde las diferencias se activan como motor de sentido.
La muestra se articula como un encuentro entre miradas que abordan, desde distintos enfoques, cuestiones vinculadas al espacio, la memoria, la percepción y la transformación. Desde la precisión geométrica y el movimiento del arte cinético de José Manuel González, hasta la exploración de la identidad y la imagen fragmentada en Rafael Jiménez; desde los paisajes urbanos y arquitecturas suspendidas de Roberto Infantes, hasta los no-lugares y escenarios cotidianos de Joaquín Peña-Toro, las obras construyen un mapa plural del arte contemporáneo actual.
En Confluencias, las piezas no se presentan de forma aislada, sino que conviven y se interpelan mutuamente. El espacio expositivo se convierte así en un lugar de negociación visual donde emergen afinidades inesperadas, contrastes formales y tensiones conceptuales. Esta coexistencia genera una lectura abierta, en la que el espectador es invitado a recorrer la exposición como un territorio en constante cambio.
Más que una suma de individualidades, Confluencias plantea una experiencia colectiva: un punto de encuentro donde cuatro voces distintas se cruzan sin anularse, afirmando la riqueza de la diversidad y la potencia del diálogo como forma de construcción artística contemporánea.
Confluences brings together the practices of José Manuel González, Rafael Jiménez, Roberto Infantes, and Joaquín Peña-Toro within a shared exhibition space. Despite the diversity of their trajectories and visual languages, the exhibition establishes a common ground for dialogue and friction. Rather than proposing a closed stylistic or thematic unity, the show embraces difference as a productive force.
The exhibition unfolds as an encounter between perspectives that address, from distinct approaches, issues related to space, memory, perception, and transformation. From the geometric precision and kinetic movement of José Manuel González’s work, to Rafael Jiménez’s exploration of identity and fragmented imagery; from Roberto Infantes’s urban landscapes and suspended architectures, to Joaquín Peña-Toro’s everyday scenarios and architectural non-places, the works collectively construct a plural map of contemporary art.
In Confluences, the artworks are not presented in isolation but coexist and engage in dialogue with one another. The exhibition space becomes a site of visual negotiation, where unexpected affinities, formal contrasts, and conceptual tensions emerge. This coexistence generates an open reading, inviting the viewer to navigate the exhibition as a territory in constant transformation.
More than a sum of individual practices, Confluences proposes a collective experience: a meeting point where four distinct voices intersect without cancelling one another, affirming the richness of diversity and the power of dialogue as a means of contemporary artistic construction.
Maratón de arte
28, 29 y 30 noviembre 2025
Maratón de Arte se realizó a finales de noviembre de 2025, durante tres días dedicados a la celebración de nuestros espacios en San Pedro Alcántara y Gaucín. El evento propuso una experiencia artística inmersiva en la que convivieron la música, el arte en vivo y la performance, generando un encuentro continuo entre artistas, público y territorio.
El maratón comenzó en San Pedro Alcántara con la participación de los artistas de La Ventana del Arte, acompañados por una acción de arte en vivo a cargo de Saúl Sanguino y una sesión de percusión en directo de Gaston Drummer, marcando el inicio de un programa dinámico y participativo.
El cierre tuvo lugar en Gaucín, donde el evento alcanzó un tono más performativo y experimental con la performance de Águeda Ortega, el arte en vivo de Caroline Krabbe y la música de Kepler, creando un diálogo íntimo entre las distintas disciplinas artísticas y el entorno.
Maratón de Arte se consolidó así como un espacio de encuentro y creación colectiva, ofreciendo al público una experiencia única y continua a lo largo de tres jornadas.
Maratón de Arte took place in late November 2025, over three days dedicated to celebrating our spaces in San Pedro Alcántara and Gaucín. The event proposed an immersive artistic experience in which music, live art, and performance came together, creating an ongoing encounter between artists, audiences, and place.
The marathon began in San Pedro Alcántara with the participation of the artists from La Ventana del Arte, accompanied by a live art action by Saúl Sanguino and a live percussion set by Gaston Drummer, marking the start of a dynamic and participatory program.
The closing took place in Gaucín, where the event took on a more performative and experimental tone with a performance by Águeda Ortega, live art by Caroline Krabbe, and music by Kepler, creating an intimate dialogue between the different artistic disciplines and the surrounding environment.
Maratón de Arte thus established itself as a space for encounter and collective creation, offering the public a unique and continuous experience over the course of three days.
Exposición colectiva 48 artistas
Un mismo muro
20 septiembre 2025
Obras sin relación aparente (y eso es lo mejor que les pudo pasar)
¿Alguna vez entraste a una sala de arte esperando encontrar un hilo conductor… y no lo encontraste por ningún lado? Bienvenido. Este es tu lugar.
Cerámica, fotografía, pintura y grabado: cuatro lenguajes visuales que normalmente protagonizarían exposiciones separadas, cuidadosamente organizadas por estilos, épocas o temáticas. Pero esta vez no. Esta vez comparten un mismo muro sin necesidad de excusas ni categorías. Aquí están, simplemente porque sí. Y eso —créenos— es una maravilla.
En esta exposición, la cerámica no tiene que justificar su textura frente a la nitidez de una fotografía. Un grabado con líneas minuciosas puede convivir felizmente al lado de una pintura que parece hecha con el codo. Y todo está bien. No hay jerarquías ni relaciones obligatorias. Solo obras que coexisten sin pedir permiso para encajar.
“Un mismo muro” no busca que todo tenga sentido, sino todo lo contrario: celebra lo inconexo como una forma de libertad creativa. Lo que une a estas piezas no es un concepto, ni una estética, ni una historia compartida. Es, literalmente, un espacio en común. Un muro, una galería, un rato en el mismo plano.
Y tal vez ahí está lo más humano de todo esto: personas distintas, técnicas distintas, miradas distintas… compartiendo un momento sin necesidad de parecerse.
La inconexión no es descuido. Es posibilidad.
Así que soltá la idea de encontrar “la conexión oculta”. No la hay. Y no hace falta.
Solo paseá, mirá, reíte, pensá o no pienses nada.
Este es el muro. Lo demás… es lo que cada artista trae
Works with No Apparent Connection (and That’s the Best Thing That Could Have Happened to Them)
Have you ever walked into an art space expecting to find a common thread… and found none at all? Welcome. This is your place.
Ceramics, photography, painting, and printmaking: four visual languages that would normally star in separate exhibitions, carefully organized by style, period, or theme. But not this time. This time, they share the same wall with no need for excuses or categories. Here they are, simply because. And that — trust us — is a wonderful thing.
In this exhibition, ceramics do not need to justify their texture next to the sharpness of a photograph. A finely lined print can happily coexist beside a painting that looks like it was made with an elbow. And that’s perfectly fine. There are no hierarchies and no forced relationships. Just works coexisting without asking permission to fit in.
“One Wall” does not aim to make everything make sense. Quite the opposite: it celebrates disconnection as a form of creative freedom. What brings these pieces together is not a concept, an aesthetic, or a shared story. It is, quite literally, a common space. One wall, one gallery, a moment spent on the same plane.
And perhaps that is the most human part of it all: different people, different techniques, different ways of seeing… sharing a moment without needing to resemble one another.
Disconnection is not neglect. It is possibility.
So let go of the idea of finding a “hidden connection.” There isn’t one. And there doesn’t need to be.
Just walk, look, laugh, think — or don’t think at all.
This is the wall. The rest… is what each artist brings.
Como niños ante el mundo
Sincrético
5 julio 2025
La selección de obras que compone esta muestra nació desde la ilusión del primer encuentro con este espacio, como quien entra por primera vez a una galería y se deja llevar por el asombro, más que por la lógica. La hicimos como niños jugando: sin pretensiones de clasificación estricta, guiándonos por una mirada sincrética, donde lo distinto se agrupa por afinidad emocional o visual, más que por disciplina o discurso.
En esta etapa de pensamiento sincrético —como la que atraviesan los niños cuando comienzan a ordenar el mundo— no se distingue aún lo sutil: se agrupan el cielo y el agua porque ambos son azules; se une la escultura y la pintura porque ambas ocupan espacio y color; se mezcla el grabado con la fotografía porque ambas dejan huella.
Aquí, las obras no fueron elegidas para reforzar una línea curatorial rígida, sino para crear una atmósfera de descubrimiento. Pintura, fotografía, grabado y escultura conviven no por sus diferencias técnicas o conceptuales, sino por las resonancias que despiertan en quienes las miran sin prejuicio. Algunas son gestuales, otras contenidas; unas son fragmentos de mundo congelado y otras, exploraciones matéricas del volumen. Pero todas, en conjunto, construyen un mapa afectivo que se organiza más por intuición que por jerarquía.
Sabemos, por supuesto, que cada disciplina tiene su historia, su lenguaje, su mundo.Pero decidimos, como quienes ven por primera vez, ignorar momentáneamente esas fronteras. Porque en la mente de un niño, un retrato puede tener el mismo valor que una forma abstracta, una línea puede ser un río o una carretera, y una figura puede ser animal, sombra o escultura, todo a la vez.
Esta exposición invita a mirar como si fuera la primera vez: con los sentidos abiertos, sin necesidad de comprenderlo todo, sin buscar definiciones exactas. A dejarse llevar por la impresión inicial, por el juego de similitudes, por la libertad de asociar sin temor a equivocarse.
Porque aquí, todo pertenece. Como en la mente del niño que, lejos de estar confundido, está simplemente imaginando el mundo.
Artistas:
Ana Matias , Fernanda J, Carregado. Frank Westerman, Judith Borobio, Laura Ray, Marta Bernad, Maria Egea, Paco Sanguino, Rafa Chacón, Raoul Delgado.
The selection of works that make up this exhibition was born from the excitement of a first encounter with this space, like entering a gallery for the very first time and allowing oneself to be guided by wonder rather than logic. We approached it as children at play: without the intention of strict classification, guided instead by a syncretic gaze, where difference is brought together through emotional or visual affinity rather than by discipline or discourse.
At this stage of syncretic thinking — such as the one children experience when they begin to organize the world — subtle distinctions have not yet formed. Sky and water are grouped together because both are blue; sculpture and painting are united because both occupy space and color; printmaking blends with photography because both leave a trace.
Here, the works were not chosen to reinforce a rigid curatorial line, but to create an atmosphere of discovery. Painting, photography, printmaking, and sculpture coexist not because of their technical or conceptual differences, but because of the resonances they awaken in those who look without prejudice. Some works are gestural, others restrained; some are fragments of a frozen world, others material explorations of volume. Together, they construct an affective map organized more by intuition than by hierarchy.
We know, of course, that each discipline has its own history, language, and world. Yet we chose, like those seeing for the first time, to momentarily ignore those boundaries. Because in a child’s mind, a portrait can hold the same value as an abstract form, a line can be a river or a road, and a figure can be animal, shadow, or sculpture all at once.
This exhibition invites viewers to look as if it were the first time: with open senses, without the need to understand everything, without searching for precise definitions. To be guided by first impressions, by the play of similarities, by the freedom to associate without fear of being wrong.
Because here, everything belongs. As in the mind of a child who, far from being confused, is simply imagining the world.
Artists:
Ana Matias, Fernanda J. Carregado, Frank Westerman, Judith Borobio, Laura Ray, Marta Bernad, Maria Egea, Paco Sanguino, Rafa Chacón, Raoul Delgado.
